Tras trece años de ausencia, Lydia Bosch vuelve al cine de la mano del debutante Julio Martí en una cinta de terror psicológica que pretende seguir la senda de títulos tan taquilleros como Los Otros (Alejandro Amenabar, 2001) o El Orfanato (Juan Antonio Bayona, 2007).
Sara (Lydia Bosch), una escritora con un pasado dramático que se nos desvelará a lo largo de la película, tiene un
accidente de coche y cuando despierta descubre que está en un monasterio
en el que los monjes que lo habitan viven totalmente ajenos al progreso
y a la civilización, sin agua, sin electricidad y sin ningún tipo de
comodidad. Rápidamente, Sara llegará a la conclusión de que algo (o alguien) quiere que descubra el terrible secreto que esconden las paredes del monasterio.
Lo peor que se puede decir de una película es que no ofrece nada nuevo y
este es el caso de La Hermandad. La película es un conglomerado de
tópicos del cine de terror cuyo único punto fuerte es una logradísima
ambientación y una correcta puesta en escena. El guión es bastante flojo
y es inevitable no recordar otras cintas de terror patrio con las que
guarda semejanza en cuanto a historia o atmósfera, como El Espinazo del
Diablo, El Orfanato o, incluso, Los Otros, pero es inferior a cualquiera de ellas porque
esa debilidad de guión hace que se abuse de ciertos recursos típicos de
este género como el susto fácil y la música de tensión estruendosa .
Tampoco ayuda que el libreto sea tan tramposo y que tire por el camino
más fácil a la hora de presentar la resolución de la película. Las
vueltas de tuerca no son coherentes (desarrollo en el siguiente párrafo) y al final da la
sensación de que todo está demasiado forzado para conseguir el resultado
deseado.
Sobre las trampas e incoherencias del guión OJO SPOILERS. No es incoherente hacernos creer que los monjes son los malos de la
película cuando en realidad eran las víctimas. Si hubiese estado bien
hecho, podría haber sido interesante aunque no novedoso. Pero el
problema es la manera de enfocarlo. Es lógico que, si su intención es
purgar los pecados de aquel lugar no quieran que nadie descubra sus
secretos, pero no tiene ninguna explicación que, en cuestión de planos,
pasemos de tener la certeza de que los monjes son seres siniestros y
malvados a considerarlos unos pobres hombres incapaces de hacer daño a
una mosca. Es demasiado forzado.FIN SPOILERS
Conclusión, creo que el director se ha empapado de las películas de
fantasmas más taquilleras de los últimos años y ha tomado buena nota de
lo que ha visto en ellas aunque por desgracia, se ha limitado a hacer un
refrito con todo lo que vio sin proponer nada que no hayamos visto ya. Para pasar el rato y poco más
Cuando me enteré de que Christophe Gans (Silent Hill, El Pacto de los Lobos) iba a hacer una nueva versión de La Bella y la Bestia me alegré enormemente porque, por su filmografía, podíamos esperar que el francés le diera a esta revisitación un toque macabro que siempre he considerado muy apropiado para esta historia. Craso error por mi parte. Esta película es ampulosa, visual e, incluso, barroca pero de macabra, tétrica o algo similar, nada de nada.
El argumento es el ya conocido por todos en el que, por culpa de una rosa que le había pedido como regalo a su padre, la joven Bella (Léa Seydoux) se ve obligada a ir a vivir a un castillo habitado por una bestia (Vincent Cassel) , quien, en realidad, es un príncipe maldito.
Dejadme que empiece diciendo una cosa: pero qué malos son los prejuicios. Tengo bastantes prejuicios en contra de la comedia española porque, en general, me parece rancia y con una propensión a lo soez heredada del landismo. Sí, alguno me leerá y pensará que estoy diciendo una barbaridad porque seguro que hay muchos títulos recientes que no son así y no lo dudo. La cuestión es que, por culpa de los dichosos prejuicios, consumo muy poco cine español y no es habitual que salga satisfecha de una sala de proyección tras ver una película patria, pero ha tenido que llegar el señor Emilio Martínez-Lázaro (Amo tu Cama Rica, El Otro Lado de la Cama) para hacer que hoy me trague mis palabras.
Cuando Rafa (Dani Rovira), sevillano adicto a la gomina, se enamora de Amaia (Clara Lago), una vasca de armas tomar, no tiene el más mínimo reparo en recorrer media España para plantarse en el País Vasco e ir en su busca. Poco se puede imaginar este hincha del Betis que por amor se hace de todo, incluso hacerse pasar por vasco...
Uno de los subgéneros del cine de terror que más caspa han generado en la historia del cine son las monster movies y, sí detrás del proyecto está Roger Corman, los amantes de la serie B vamos a acabar viéndolo.
Los integrantes de un equipo de filmación ruedan su película ajenos a los peligros que se ciernen a su alrededor. Por un lado, un grupo de criminales se han propuesto secuestrarlos para pedir un rescate a cambio de liberarlospero, lo verdaderamente peligroso, es que el set de rodaje está situado muy cerca del nido de una bestia casi mitológica que tiene mucha, muchísima hambre.
Como algunos sabéis, todos los lunes hago una sección de cine en el magazine León es Así de la 8 de León. En mi sección semanal hago un repaso a las novedades en la cartelera y, desde esta semana, uno de los cines que tenemos en León, los multicines Odeón, han tenido la deferencia de ofrecerme pases semanales para que pueda ver las películas de estreno y luego comentarlas en mi sección Cámara y Acción.
Los que seguís el blog desde hace tiempo sabréis que los fines de semana suelo publicar una entrada en la que repaso los estrenos de la semana pero, a partir de ahora, voy a sustituir esa entrada por otras en las que haré la reseña de las películas de estreno que vaya viendo. Creo que es más útil comentar mis impresiones sobre las películas que ya he visto que no limitarme a hacer una breve sinopsis o una ficha técnica. Eso lo hacen ya otras páginas y blogs y yo, la verdad, prefiero hacer algo distinto.
Así que, tras esta explicación, paso a hablaros del estreno más destacado de la semana: 300: El Origen de un Imperio.
Seguro que, más de una vez, habéis ido a ver una película con el hype por las nubes y al final habéis salido del cine totalmente decepcionados porque os habíais creado unas expectativas que no se han visto satisfechas. Pues a mi me ha ocurrido todo lo contrario con esta película. Sinceramente, pensaba que iba a ver un auténtico bodrio y, al final, he visto una película bastante entretenida. No nos engañemos, no es nada del otro mundo, pero cuando llevas el listón tan bajo como lo llevaba yo, a veces hay sorpresas agradables.
La primera vez que vi 300 me gustó mucho, era innovadora e impactaba visualmente, pero cuando te pasas los últimos seis años viendo lo mismo una y otra vez (Inmortals, Spartacus) llega un momento que te cansas y por eso no tenía muchas esperanzas con su secuela porque me esperaba más de lo mismo, es decir, patadas eternas, saltos imposibles y chorrazos de sangre por doquier. No me equivoqué pero al menos hay algo más.
En 300: El Origen de un Imperio el que toma el relevo de Leonidas es Temistocles (Sullivan Stapleton) , un héroe ateniense que peleará hasta la muerte, si fuera necesario, para evitar que Grecia caiga en manos de los persas, cuya flota es comandada por la sanguinaria Artemisa (Eva Green). La película vuelve a basarse en una novela gráfica de Frank Miller, en este caso, Xerxes.
300: El Origen de un Imperio tiene muchos paralelismos con su antecesora del 2006 pero hay una gran diferencia entre una película y otra. La historia de Leónidas y sus 300 se sustentaba en la épica, en el valor de unos hombres que, aun sabiendo que su tarea era casi imposible y que sólo había un resultado, aceptaban su destino con gusto. Pero en la historia de Temistocles lo que prima es hacer las cosas a lo grande. No es que Temistocles no sea un héroe al uso, el problema es que ni él ni sus hombres tienen el mismo carisma que Leonidas y los suyos y eso hace que la película sea más floja que la anterior. Supongo que los creadores de la película, conscientes de ello, optaron por seguir el camino del blockbuster más puro para suplir estas carencias con escenas aun más espectaculares y repletas de efectos especiales, pero también es cierto que el argumento de esta cinta se presta más a ello porque casi todas las batallas son marítimas y , por ello, es sencillo cumplir el ideal palomitero de que cuanto más grande y más ruidoso, mejor.
Uno de los principales aciertos de la película es la manera en que se estructura la historia, la cual se desarrolla antes, durante y después de los acontecimientos vistos en 300. En este caso, la presencia de Gorgo (Lena Headey) y el uso de imágenes de la anterior película contribuyen a darle consistencia al guión y a fusionar perfectamente una película con otra. Además de la reina Gorgo, repiten Efialtes (Andrew Tiernan), Dilios (David Wenham) y Xerxes (Rodrigo Santoro).
Otro punto positivo de la película es la presencia de la siempre imponente Eva Green. Su Artemisa y el Xerxes de Rodrigo Santoro son de lo mejorcito de la película aunque me hubiese gustado ver algo más de la subtrama de ambos personajes. A lo mejor los avispados productores ya lo tenían todo pensando para una futura tercera parte, no sería nada descabellado, la verdad, pero es una pena no haberlo aprovechado en en esta película porque ambos me parecen más interesantes que cualquiera de los que están en el bando de los atenienses.
En resumen, si dejamos de lado los ya muy sobados recursos marca de la casa (Zack Snyder no dirige pero ha colaborado en el proyecto) y nos centramos en la película en si, el resultado es una cinta adrenalítica que entretiene bastante y gustará a todos los fans de 300.
No se si mañana, pasado o el mes que viene seguiré teniendo el buen sabor de boca que tengo hoy, pero la realidad es que esta gala es una de las que más me han gustado de los últimos años. Y ya es raro, porque la sensación habitual el día después de los oscars es muy distinta. Lo habitual es que esté de mal humor, primero por haber dormido poco, segundo por haber estado despierta para tragarme semejante coñazo y tercero porque alguno (o la mayoría) de los premios me habían parecido indignantes.
Pero este año no hay nada de eso, estoy contenta con la gala y su desarrollo y aun más contenta con los premios. Y lo mejor, no ha venido nadie a tocar las narices a las 9 de la mañana y he podido dormir unas cuantas horas. Bien por mí.
Ellen Degeneres estuvo ágil,
divertida y mordaz. Discurso inicial corto y, a diferencia de lo que pasa en
los Goya, sin recrearse en lo mal que va todo. Ellen si que se dedicó a lanzar dardos más o menos envenenados a algunos actores (¿verdad, Liza Minnelli?) y fue al lío rápidamente. Muy bien lo de interactuar constantemente con los
invitados pero, sobre todo, un gran acierto lo de hacerlo con los internautas
al ir colgando la propia Ellen las fotos que ella misma iba tomando en la gala. Para la historia quedará la selfie que se hizo con varios actores que es ya lo más retwitteado de todos los tiempos. Y lo de
la pizza: divino. La imagen de Brad Pitt (firmo llegar a los 50 así) poniéndose ciego a pizza es algo que tardaremos años en olvidar.
El tema de la
gala fue el homenaje a los héroes. Por ello, a lo largo de la gala, vimos a Jim Carrey, Sally Field o Chris Evans presentando diversos
vídeos en los que se homenajeaba a todo tipo de héroes: de la animación, reales,
del cine… muy buena selección las de las escenas que aparecían en los vídeos y también muy buen montaje. Otro acierto.
Más homenajes, en
este caso uno absolutamente espectacular, el que se hace a la maravillosa El Mago de
Oz. Pink, vestida de rojo, canta “Somewhere over the rainbow”. Pelos como
escarpias, oiga.
Empieza el reparto de premios. Primer oscar, muy
merecido, para Jared Leto (Dallas Buyers Club) que le dedica el premio a su
madre. No negaré que mis preferencias iban por otros derroteros porque mi
favorito era Michael Fassbender pero el transexual enfermo de SIDA que
interpreta Jared Leto pone los pelos de punta a cualquiera. Para el recuerdo su
estilismo, que hizo correr ríos de tinta en redes sociales por su apariencia casi "divina"..
La primera
sorpresa de la noche viene de la mano de El Gran Gatsby que se lleva el oscar
al mejor vestuario desbancando a grandes favoritas como La Gran Estafa
Americana o 12 Años de Esclavitud. En mi opinión, este oscar tenía un nombre y
era el de la película de David O. Russell, pero hay que reconocer que el
vestuario de la película de Baz Luhrmann es espectacular. Catherine Martin
volverá a subir a recoger un segundo premio, el de dirección artístico,
consiguiendo un pleno para la película por llevarse los dos premios a los que
estaba nominada.
Segundo oscar
para Dallas Buyers Club. Con un presupuesto de tan solo 250$ el equipo de
maquillaje de esta película se lleva un oscar. La verdad es que la
caracterización de los actores en esta película es impresionante y demuestra
que a veces más vale tener talento que dinero.
Es el momento de
la animación, sorpresa en el corto, que se va para Luxemburgo con Mr. Hublot y
previsible en el largo con el premio para Frozen en un año en el que las
películas nominadas eran algo mediocres. Frozen se llevará otro premio más, a
la mejor canción. A mi me gustaba mucho más la de Her pero eso ya es otra historia.
Esta tenía que ser la noche de Gravity y de Alfonso Cuarón y en cuanto empiezan a repartirse los premios técnicos lo vamos confirmando. Para Gravity es el primer premio
técnicode la noche, el de efectos
visuales, y después vendrán el de
sonido, efectos sonoros, fotografía, montaje, BSO y, como colofón, el de director.
No hubo suerte
para Esteban Crespo y su Aquel No Era Yo, que no se llevó el premio al mejor
corto. Al menos en esta gala se le dio su lugar a los cortometrajistas, algo
que los académicos del cine español no son capaces de hacer en la suya. Ojalá esta nominación le sirva de algo a Esteban Crespo, quien hace unos días dijo que llevaba 10 años intentando filmar un largo. Que triste.
Se cumplen los
pronósticos y La Gran Belleza gana el premio a la mejor película de habla no
inglesa. Italia no se llevaba este premio desde 1998 cuando lo ganó con La Vida
es Bella y, a pesar que cualquiera de las nominadas hubiera sido una digna
ganadora, este año el premio tenía que ser para la película de Sorrentino.
Llega el primer premio
para la cinta de Steve McQueen. Lupita Nyong’o se lleva el oscar a la mejor actriz de reparto en su debut en
el cine. La verdad es que su papel en 12 Años de Esclavitud es tremendo y sus
escenas en la película son las más duras y las que más hacen reflexionar sobre
el sufrimiento de tantas y tantas personas en aquellos tiempos. Hay momentos en los que su mirada lo dice todo y, al menos yo, tuve que apartar la vista durante cierta escena especialmente cruda (los que hayáis visto la película lo sabréis). Habrá que estar atentos a la progresión de esta mujer porque ha entrado en el mundo del cine con muchas ganas.
El momento más emotivo
de la noche llega con el in memoriam. Es terrible ver los grandes profesionales
que nos han dejado este año: Peter O’Toole, Ray Harryhausen, Joan Fontaine,
Harold Ramis, Richard Matheson, Philip Seymour Hoffman…grandísimas pérdidas
para todos los que disfrutamos del séptimo arte. Glenn Close es la presentadora
del vídeo y, tras su visionado, Bette Midler culmina el homenaje cantando “Wind
beneath my wings”.
Tras los oscars musicales (mejor BSO para Steve Price por Gravity y mejor canción para Frozen), empieza el reparto de premios
gordos. Mejor guión adaptado para 12 Años de Esclavitud y mejor guión original
para Her. Por fin un premio para Spike Jonze, que llevaba tiempo mereciéndolo aunque creo que es un botín más bien escaso para
una de las películas más originales del año.
El premio para el mejor director es para el mexicano Alfonso Cuarón. No es ningún secreto
que Gravity es una de las películas que más me han gustado del año pasado pero
es que, además, soy muy fan de Alfonso Cuarón (Hijos de los Hombres es una obra maestra de la ciencia ficción de la última década) así que es una alegría ver como
el trabajo de este gran profesional es reconocido con un premio de este calado.
No hubo sorpresas y una espectacular Cate Blanchett recoge su segundo oscar (el anterior fue como mejor actriz de reparto por El Aviador) por su trabajo en Blue Jasmine. Lo
contrario hubiera sido un escándalo porque es la mejor interpretación femenina
que he visto este año, es más, casi podría afirmar que es la mejor
interpretación, en general, que he visto este año. Quizá no sea la mejor película
de Woody Allen, pero la Jasmine de la Blanchett está, sin duda, al nivel de la Annie Hall de
Diane Keaton.
Tampoco fue una sorpresa ver a Matthew McConaughey llevarse el premio al mejor actor por su papel de cowboy enfermo de SIDA en Dallas Buyers Club. En la vida me hubiera
imaginado que iba a ver a este hombre recoger un oscar pero sorpresas te da la
vida. Cuanto lo siento por Leonardo DiCaprio, su Jordan Belfort es una
auténtica maravilla pero nadie podía suponer que tendría un rival de estatalla en la pelea por la codiciada
estatuilla. La verdad es que ha tenido que ser un palo tremendo para DiCaprio porque una ya no sabe que más tiene que hacer este pedazo de actor para que le den un premio. Lo triste es que se lo acabarán dando más tarde o más temprano y seguramente ese año no será tan merecido como ha sido éste. Ya se verá.
Aunque ayer para algunos era una sorpresa, para mi estaba claro
que el premio a la mejor película iba a ser para 12 Años de Esclavitud.
Brad Pitt, como productor, recoge su primer oscar pero le cede el protagonismo
a un nervioso Steve McQueen quien, arropado por todo su reparto, lee un
discurso en el que tiene un recuerdo para todas las personas que han sufrido y
sufren la esclavitud.
12 Años de Esclavitud no era la mejor película pero tampoco me parece una mala elección. Hubiera sido una sorpresa mayúscula que el premio se lo hubiese llevado Gravity pero la cinta de Cuarón ha demostrado que es un hito en el cine del año 2013 así que casi lo de menos es que se hubiese llevado ese premio.
Si Gravity y 12 Años de Esclavitud fueron las grandes vencedoras de la noche, la gran perdedora fue La Gran Estafa Americana que de diez nominaciones no se llevó un solo premio. Tampoco se llevaron nada Nebraska, Philomena o Capitán Phillips pero creo que su fracaso no es comparable con el de la película de David O. Russell la cual, a diferencia de las tres que he citado, partía como favorita en muchos premios. A mi ese ninguneo me parece bastante correcto porque, como ya comenté en el repaso a las películas nominadas, me parecía una película muy inflada que estaba en un escalón inferior que el resto con las que competía.
Para terminar, gran acierto la elección de Ellen Degeneres (que repita más veces, por Dios) momentos memorables y más que correcto reparto de premios. Así sí.
Última tanda de películas nominadas a "mejor película". Las tres que van a ocupar esta entrada son, junto con Gravity, las más aclamadas del año y aparecen en la mayoría de listas de mejores películas del 2013.
La Gran Estafa Americana (David O. Russell, 2013) (10 nominaciones: película, director, actor para Christian Bale, actriz para Amy Adams, actor de reparto para Bradley Cooper, actriz de reparto para Jennifer Lawrence, guión original, montaje, dirección artística y vestuario).
El título de esta película me viene muy a cuento para explicar lo que creo que es esta película: una auténtica estafa. David O. Russell nos la ha vuelto a colar, por segundo año consecutivo, con una película totalmente sobrevalorada en la que, excepto el acierto en la ambientación y la música, salvo poco más. Por empezar con algo bueno, diría que si hay un Oscar que se debería llevar sí o sí es el de vestuario porque en ese sentido han dado la campanada totalmente. Todo lo demás, un bluff. Me parecen exageradas las nominaciones para todo el elenco, ellas dos están bastante bien pero el supuestamente cantado Oscar para Jennifer Lawrence sería inmerecido (igual que lo fue el año pasado) y Amy Adams no creo que tenga nada que hacer frente a la Jasmine de Cate Blanchett. La nominación a Christian Bale me parece innecesaria (quitando la panza y el bisoñé asqueroso, no hay mucho más que ver) y si hay que quedarse con un actor de reparto, hubiese elegido a Jeremy Renner.
La historia no termina de arrancar ni a atraer en ningún momento, el guión me parece confuso y la resolución me parece de una moralina tremenda por lo que sigo sin comprender como esta película pueda ser considerada de las mejores del 2013. Si hay algo de justicia (y criterio) entre los académicos esta película no debería llevarse el premio a mejor película pero con los antecedentes que tenemos, me espero cualquier cosa.
Seguimos con nuestro repaso de las películas nominadas en los premios Oscar 2014. Si no me equivoco, en la anterior entrada del blog apenas si os expliqué el desarrollo de este especial. Mi idea es hacer una reseña sobre las nueve películas nominadas a mejor película, que son las que copan la mayoría de categorías, y luego dedicar un espacio a películas que, aunque no aspiran a muchos premios, tienen su sitio (y puede que su recompensa) en la gala del domingo.
Digo que esta es mi idea pero estoy teniendo una semana de locos y el tiempo se me echa encima así que no se si voy a cumplir el plan, pero prometo hacer lo imposible.
Dallas Buyers Club (Jean-Marc Vallée, 2013): (6 nominaciones: película, actor principal para Matthew McConaughey, actor de reparto para Jared Leto, guión original, montaje y maquillaje)
Seguro que no soy la única que lo dice, pero es sorprendente lo engañados que nos tenía Matthew McConaughey. Desde 2011 ha ido encadenando una serie de actuaciones que, más que de asombrosas, calificaría de milagrosas teniendo en cuenta su trayectoria anterior, y todo apunta a que este cambio en su filmografía va a verse recompensado con la codiciada estatuilla dorada. Y yo que me alegro. Hasta hace cuatro días, ver una película de este hombre entraba en lo que yo considero "tortura", ahora, gracias sobre todo a True Detective, soy fan suya.
Si el domingo le dan el Oscar, estará totalmente merecido porque se sale en el papel de cowboy mujeriego cuyo mundo se derrumba el día que le dicen que es enfermo terminal de SIDA. La película es una especie de reflejo de la carrera de McConaughey porque su Ron Woodroof, al igual que él, es un perdedor que da un vuelco a su vida y que, por el camino, asombra a propios y extraños.
Otro que está maravilloso es Jared Leto. Probablemente, su personaje tiene algunas de las escenas más demoledoras de la película y teniendo en cuenta la temática, ya os podéis imaginar que el film no es ninguna fiesta. Aun así, en este caso pasa lo mismo que con Philomela, que la película no busca la lágrima fácil ni se recrea en el drama. La historia es drámatica de por si y sólo hay que ver el aspecto de McConaughey para imaginarnoslo, pero, en cierto modo, es como una especie de survival en el que un tipo cuyo único talento especial era emborracharse, drogarse y practicar sexo, inicia una lucha, casi contrarreloj, contra una enfermedad prácticamente desconocida en aquellos años.
Nebraska (Alexander Payne, 2013): (6 nominaciones: película, director, actor principal para Bruce Dern, actriz de reparto para June Squibb, guión original y fotografía)
De entrada ya lo digo: creo que Nebraska se va a ir de vacio para casa. A pesar de ser una buena película (no magistral, pero si buena) no creo que tenga ninguna posibilidad la noche del domingo porque en todas las categorías que compite hay una o dos películas que, a priori, parten con más ventaja que ella, así que, sería toda una sorpresa que se llevará algún premio.
Tras ver Nebraska es fácil plantearse si has visto una comedia o un drama pero la realidad es que esta película es, simplemente, como la vida misma en la que a veces pasas de la risa al llanto casi sin darte cuenta.
Bruce Dern encabeza el reparto dando vida a Woody Grant, un anciano que se empeña en que es el ganador de un premio de un millón de dolares y que debe ir a cobrarlo a Nebraska. Su mujer y sus dos hijos son conscientes de que el premio no es real, pero, su hijo menor, David (Will Forte), consciente de que esta puede ser la última aventura de su padre, se ofrece a acompañarlo en su viaje.
La mayoría de la gente que ha visto esta película habla de lo bien que está Bruce Dern pero yo me quedo con June Squibb, que está absolutamente deliciosa en el papel de su mujer (la escena del cementerio es para enmarcar).
Gravity (Alfonso Cuarón, 2013): (10 nominaciones: película, director, actriz principal para Sandra Bullock, montaje, fotografía, BSO, dirección artística, sonido, efectos sonoros y efectos visuales)
Lo voy a decir bien claro y sin ningún pudor: Gravity es la película del año. Ojo, no digo que sea la mejor película del año (eso ya me cuesta afirmarlo con tanta rotundidad) pero si que tengo claro que lo que la película de Cuarón ha conseguido lo han logrado pocas. Para empezar, ha conseguido que los anti 3D más irredentos (entre los que me incluyo) hayamos pasado por caja con gusto y encima hayamos disfrutado de la película. Y segundo, ha convencido, a partes iguales, a los amantes del cine más palomitero, a los del sector más sesudo y a la crítica. Vamos, que ha gustado a todo el mundo.
Yo tenía mis serias dudas con esta película porque, como he dicho, detesto el 3D y, encima, no me gusta nada Sandra Bullock pero me gustó tanto que repetí y os aseguro que si por algún milagro divino volvieran a reponerla en el cine, volvería a repetir.
No me cabe la menor duda de que esta película va a arrasar en el apartado técnico, lo contrario sería un auténtico escándalo. Lo más seguro es que al final de la noche, Gravity sea la película vencedora en cuanto a número de estatuillas ganadas y es muy posible que Cuarón gane el Oscar al mejor director aunque veo bastante improbable que sea coronada como la mejor película (eso va a ser cosa de La Gran Estafa Americana o 12 Años de Esclavitud)
No me voy a detener mucho más en esta película porque tengo pendiente un revisionado de ella en VO y después quiero dedicarle una entrada en exclusiva en el blog, Gravity lo merece.
Como ya sabéis, el próximo domingo se van a entregar los premios cinematográficos más conocidos del mundo, esto es, los premios Oscar, así que esta semana voy a ir repasando algunas de las películas nominadas que he visto:
Capitán Phillips (Paul Greengrass, 2013): (6 nominaciones: película, actor de reparto para Barkhad Abdi, guión adaptado, montaje, sonido y efectos sonoros)
Las 6 nominaciones de la película del director de Domingo Sangriento o United 93 vienen a confirmar que Paul Greengrass se mueve como pez en el agua filmando estas historias, basadas en hechos reales, en las que gente corriente tiene que sacar lo mejor de si mismos para enfrentarse a hechos que superarían a cualquiera. Capítulo aparte merece la interpretación de Tom Hanks, que está enorme como protagonista casi absoluto. Tengo que reconocer que Tom Hanks nunca ha sido santo de mi devoción y suelo ser bastante severa con sus interpretaciones pero en, este caso, le doy un sobresaliente. Por ello, y a falta de ver American Hustle en los próximos días y ver como está en ella Christian Bale, me parece un escándalo que hayan dejado fuera de la lista de nominados a este hombre.
En contraposición a Tom Hanks, tenemos a Barkhad Abdi, flamante ganador de un BAFTA, quien si que ha visto premiada su actuación con una nominación en los Oscar. En este caso, esta interpretación no me ha parecido nada del otro mundo, creo que Hanks se lo come con patatas en cada escena que comparten y no lo veo con posibilidades de llevarse una estatuilla dorada la semana que viene pero tampoco creía que le iban a dar un BAFTA, así que..
Hay películas que tocan el corazón y, sin duda, Her es una de ellas. A priori habrá quien se tome la historia a cachondeo porque eso de que un hombre se enamore de un sistema operativo parece de chiste o, incluso, pueda parecer algo obsceno, pero cuando conoces a Theodore (Joaquin Phoenix) y escuchas por primera vez a Samantha (Scarlett Johansson) te das cuenta de que no hay nada de eso. Es amor de verdad, amor como el que pueda experimentar cualquiera con una persona de carne y hueso, ya que entre ellos se establece una relación en toda regla, con sus altos y sus bajos. Es una historia de amor que me resulta paradójica en el sentido de que es la ciencia ficción más real que he visto en la vida. Es a la vez tan tierna como triste. Tierna, porque, a pesar de todo, aun queda sitio para establecer una relación tan íntima, aunque sea entre un ser humano y un ser virtual y triste porque la película me parece un reflejo de un mundo que se está deshumanizando de manera que una relación de estas características podría ser real (de ahí lo de la paradoja entre ciencia ficción y realidad). Reconozco que Her me está dando bastante que pensar y, por ahora, el poso es bastante amargo pero es una gran película que no puedo dejar de recomendar.
PD: la he visto en VOS porque creo que no tiene sentido verla doblada. No voy a opinar sobre si doblaje sí o no, pero creo que esta película no debería exhibirse doblada porque desde el momento en que no se oye la voz de Scarlett Johansson, la película no puede ser la misma.
PD2: todo lo que no sea que Spike Jonze se lleve el Oscar al mejor guión original sería un escándalo. Ahí lo dejo.
Philomena (Stephen Frears, 2013): (4 nominaciones: película, actriz para Judi Dench, guión adaptado y BSO).
Cuando alguien decide rodar una película sobre un tema tan controvertido como el de los niños robados tiene dos opciones, o buscar la lágrima fácil o contar la historia sin esconder los hechos pero sin recrearse en ellos. Y esto último es lo que he encontrado en Philomena.
Yo estoy especialmente sensibilizada con el tema de los niños robados, no por nada en concreto, simplemente porque me parece un asunto terroríficamente cruel y, si el proyecto no hubiera estado en manos de Stephen Frears, es posible que me lo hubiera pensado dos veces antes de ver la película. Pero la realidad es que, a pesar de la temática, la película es incluso optimista y en ello tiene mucho que ver Philomena (Judi Dench). Desconozco cuanto hay de la Philomena real en la de la película, pero a mi me ha parecido adorable en su simplicidad, en su fe y, sobre todo, en su bondad, una bondad tan grande que le impide odiar a quienes le robaron a su hijo y que le demuestra a Martin (Steve Coogan) el estirado periodista que le ayuda a buscar a su hijo, que, por mucha cultura y conocimientos que tengas, sino tienes inteligencia emocional, no tienes nada.
No creo que vaya a ganar ningún premio la semana que viene, pero creo que Philomena es bastante recomendable y que algunos deberían aprender de esta película que no hace falta recurrir a los efectismos para contar historias dramáticas.
Que soy una fan declarada de Roger Corman es algo que cualquiera de mis lectores habituales (a los que, por cierto, os agradezco enormemente que os toméis la molestia de leer mis desvarios) ya sabrán. Habrá gente que piense que hay que estar muy mal de la cabeza para ser fan de este tipo de cine pero creo que hay que tener una sensibilidad diferente para apreciar estas películas. Vamos, que no son aptas para todos los públicos porque, por su idiosincrasia, la mayoría de la gente piensa que son una auténtica bazofia mientras una minoría creemos que, cuanto mas cutres, mejor. El Ataque de los Cangrejos Gigantes es una de esas películas cutres a rabiar que la inmensa mayoría de personas ni se molestaría en ver pero que los fans de la caspa vemos con interés. Advierto que no es de las mejores obras del señor Corman pero sólo por su duración (apenas una hora) y por la curiosidad de ver como se lo monta para hacer los cangrejos gigantes, merece la pena verla.
Un grupo de científicos llegan a una isla del Pacífico en busca de pistas sobre el paradero del anterior equipo científico que había ido a la zona y lo único que encuentran son preguntas sin respuestas: muertes inexplicables, movimientos de tierra y una amenaza terrible (y gigantesca) que se cierne sobre todo el que está en aquella isla...
Hace unas semanas os hablé de La Bestia de la Cueva Maldita de Monte Hellman, un cineasta cuyos orígenes están relacionados con Roger Corman. El guión de esa película lo escribió Charles B. Griffith quién, años más tarde, lo reescribió introduciendo unos toques de humor. El resultado fue está delirante película que mezcla espías, gangsters, militares cubanos y el monstruo más rídiculo que he visto en años.Que nadie se llame a engaños: a pesar de su título, esta película tiene más de parodia que de monster movie cincuentera. La trama es surrealista, los diálogos son de besugos y los personajes son una pandilla de lunáticos que se lo debieron pasar pipa mientras rodaban este auténtico esperpento.
Un grupo de gangsters americanos serán los encargados de sacar de Cuba el oro de unos militares cubanos anti-castristas en los tiempos posteriores a la revolución cubana. Para salir de La Habana, usarán el barco de Renzo Capeto (Anthony Carbone), el jefe de la banda. En la tripulación está infiltrado un espía, Sparks Moran (Robert Towne) quien es el narrador de la historia. Renzo Capeto, cuyo aire a lo Bogart es indiscutible, ideará en colaboración con su novia (Betsy Jones-Moreland ) y sus secuaces (Beach Dickerson y Robert Bean) un plan para quedarse con el oro. La genial idea será fingir la existencia de un monstruo de mar que irá matando a los militares cubanos. Pero lo que nadie se puede imaginar es que el monstruo es real y les seguirá allá a donde vayan, incluída una isla supuestamente desierta en la que, a cada paso que dan, aparecen habitantes de la isla.
La cartelera destaca esta semana más por cantidad que por calidad. Estos son los estrenos más destacados:
Robocop:
AÑO: 2014. DIRECTOR: José Padilha.
REPARTO: Joel Kinnaman, Gary Oldman, Michael Keaton, Abbie Cornish, Samuel L. Jackson, Jackie Earle Haley, Michael K. Williams, Jay Baruchel, Jennifer Ehle, Marianne Jean-Baptiste. GÉNERO: ciencia-ficción. PAÍS: EEUU.
SINOPSIS: el remake de la violenta película de Paul Verhoeven de 1987 cuenta con un reparto de campanillas que viene complementado por el habitual despliegue de efectos especiales. La historia, en esencia, es la misma. Alex Murphy (Joel Kinnaman) es un policia de Detroit que, tras caer gravemente herido en acto de servicio, se convertirá en Robocop para poder seguir luchando por erradicar la delincuencia.
Cuento de Invierno:
AÑO: 2014. DIRECTOR: Akiva Goldsman.
REPARTO: Colin Farrell, Jessica Brown Findlay, Russell Crowe, Jennifer Connelly, William Hurt, Eva Marie Saint, Matt Bomer, Kevin Durand, Lucy Griffiths, Kevin Corrigan, Will Smith. GÉNERO: romance. PAÍS: EEUU.
SINOPSIS: el debut en la dirección del guionista de Una Mente Maravillosa o Soy Leyenda es una película romántica de corte sobrenatural en la que Peter Lake (Colin Farrell) ,un ladrón de casas, se enamora de Beverly Penn (Jessica Brown Findlay) la dueña de una casa en la que entra a robar. La fantasía y la enfermedad de Beverly marcarán el devenir de la historia entre los dos amantes.
SINOPSIS: película protagonizado en exclusiva por Robert Redford en la que asistiremos a sus intentos por sobrevivir en medio del océano. Segunda película del director de la interesante Margin Call.
Otros estrenos de la semana:
Sólo para dos:fallida comedia española ambientada en un paradisíaco hotel protagonizada por Santi Millán. Dirige Roberto Santiago.
Alabama Monroe: esta aclamada película belga (compite al Oscar como mejor película extranjera) es un drama que cuenta la historia de amor de dos personas muy distintas y su manera de enfocar la enfermedad de su hija. Dirige Felix Van Groeningen. Con Johan Heldenbergh, Veerle Baetens y Nell Cattrysse.
La Segunda Mujer: drama austriaco en el que una joven turca se traslada a Austria convertida en la segunda de esposa un hombre mucho mayor que ella.Dirige Umut Dag. Con Nihal G. Koldas, Begüm Akkaya, Vedat Erincin y Murathan Muslu.
Bajo un Manto de Estrellas: película española ambientada en un convento de Almagro en los inicios de la Guerra Civil Española. Dirige Óscar Parra de Carrizosa. Con Manuel Aguilar, Sergio Raboso y David Romero.
Si ayer fue el turno de la lista de peliculas que os recomiendo para San Valentín, hoy os traigo un listado con besos de cine que, por un motivo y otro, tienen su lugar en la historia del séptimo arte. Así que, ya sabéis, a darle a la sin-hueso, que va de besos:
1.El primer beso: The Kiss(William Heise, 1896)
Este corto, de tan solo 47 segundos, representa la escena final de la obra The Widow Jones, una comedia musical estrenada en Broadway en 1895. Los protagonistas son los actores John C. Rice y May Irwin quienes con su casto besuqueo escandalizaron a la sociedad del momento.
Lo peor que se puede decir de una película es que no ofrece nada nuevo y
este es el caso de La Hermandad. La película es un conglomerado de
tópicos del cine de terror cuyo único punto fuerte es una logradísima
ambientación y una correcta puesta en escena. El guión es bastante flojo
y es inevitable no recordar otras cintas de terror patrio con las que
guarda semejanza en cuanto a historia o atmósfera, como El Espinazo del
Diablo, El Orfanato o, incluso, Los Otros, pero es inferior a cualquiera de ellas porque
esa debilidad de guión hace que se abuse de ciertos recursos típicos de
este género como el susto fácil y la música de tensión estruendosa .
Sobre las trampas e incoherencias del guión OJO SPOILERS. No es incoherente hacernos creer que los monjes son los malos de la
película cuando en realidad eran las víctimas. Si hubiese estado bien
hecho, podría haber sido interesante aunque no novedoso. Pero el
problema es la manera de enfocarlo. Es lógico que, si su intención es
purgar los pecados de aquel lugar no quieran que nadie descubra sus
secretos, pero no tiene ninguna explicación que, en cuestión de planos,
pasemos de tener la certeza de que los monjes son seres siniestros y
malvados a considerarlos unos pobres hombres incapaces de hacer daño a
una mosca. Es demasiado forzado.FIN SPOILERS
